Rencontre avec Kié Lee, la créatrice repérée par Yohji Yamamoto

Née à Bâle, Kié Lee a fondé sa marque Kié Einzelgänger en 2016 à New York, avant de la délocaliser à Anvers trois ans plus tard. Aujourd'hui, elle se sent chez elle en Belgique, au milieu des sphères d'influence de Raf Simons, Ann Demeulemeester et Jurgi Persoons.

Kié Lee, qui a désormais passé la trentaine, puise sa force créative dans la solitude. Cela s'exprime dans l'omniprésence du noir au sein de ses collections, et à travers des silhouettes affirmées qui prennent le relais de la parole. Cette identité visuelle lui a valu une collaboration continue avec Yohji Yamamoto pour son sous-label avant-gardiste Wildside, et ce depuis 2022.

Au festival de la mode d'Anvers, qui débute le 4 juin, Lee présente une installation artistique intitulée « Evidence » : des sérigraphies sur des chemises et des tissus en soie, avec des autoportraits en guise de motif.

Anvers a-t-elle été une évidence ? L'énergie y est-elle différente de celle de New York ?

Kié Lee : New York est une ville formidable. Elle me manque toujours, mais y gérer un studio est difficile. Le loyer exorbitant pour si peu d'espace, ça ne fonctionne tout simplement pas. En tant que créatrice, on a besoin de hauts plafonds et de grands espaces pour avoir une vue d'ensemble. J'ai commencé à envisager de partir.

À cette période, je faisais également face à une faillite. J'ai monté une entreprise à New York à 23 ans. La mode exige des investissements massifs... on devine aisément comment cela s'est terminé.

Le nouveau départ à Anvers m'a tout de suite semblé juste. Je suis arrivée avec deux valises. La ville est devenue pour moi un port d'attache sûr et créatif. Je me sens seule ici, et cela me permet de me concentrer. Les gens sont sympathiques. En tant qu'enfant du 21e siècle, je peux rester connectée à l'international. Je pense que je vais rester ici.

Vous parlez de la solitude comme de quelque chose de constructif.

Pour moi, la solitude n'est pas synonyme de tristesse. Je suis née en Suisse, je suis allée en Corée, à New York — j'ai vécu beaucoup de choses. Au début, c'était difficile, mais cette phase est révolue. J'ai besoin de cette solitude maintenant. Je me sens mal à l'aise si je n'ai pas ce temps pour moi.

Dans les premières années de votre marque, vous avez beaucoup voyagé au Japon.

J'admire depuis longtemps les créateurs japonais des années 80 et 90. C'est aussi ce qui m'a amenée au Japon quand j'avais 20 ans — je voulais savoir d'où venaient ces belles pièces, qui les fabriquait. J'ai eu la chance de pouvoir travailler directement avec des fournisseurs de tissus. La qualité qu'ils produisent est inégalée, notamment la teinture — les nuances de couleurs sont différentes.

Le commerce wholesale signifie qu'en tant que créateur, vous devez attendre six mois pour être payé. Il y a de bonnes usines à New York, mais il est difficile d'y survivre : les quantités minimales de commande sont irréalistes, et on ne sait jamais s'ils respecteront une échéance ou si l'on devra tout annuler. J'avais besoin de quelqu'un en qui je pouvais avoir confiance.

J'ai maintenant établi près de neuf ans de relations avec des partenaires de production et d'approvisionnement au Japon. Je leur suis restée fidèle parce que mon public est issu de cette même période (années 80 et 90, ndlr) — ils connaissent cette qualité et l'attendent aussi de moi. Même après importation, les prix restent étonnamment accessibles. Il n'y a vraiment aucune raison d'arrêter. Mais à mesure que la marque se développera, je devrai également me diversifier avec des partenaires de sourcing en Europe.

J'ai beaucoup appris de la manière de travailler des Japonais : si disciplinés, si précis. Ils réfléchissent sincèrement avec moi à mon avenir en tant que créatrice. Sans vaines promesses.

Comment s'est passée votre collaboration avec Yohji Yamamoto ?

J'avais 23 ans quand nous nous sommes rencontrés. C'était un geste très généreux de la part d'une marque aussi établie de donner sa chance à une jeune créatrice. Rien que par cette attitude, j'ai énormément appris. Je me promenais à New York vêtue de ses créations quand un membre de son équipe m'a remarquée. On m'a présentée au directeur, et il m'a demandé si je venais parfois au défilé de Paris. J'étais à Parsons, très occupée par mes études, mais j'ai quand même décidé d'y aller. J'ai dépensé trois mille dollars et j'ai perdu mon passeport le premier jour, volé par un pickpocket. Mais bon, il fallait que j'y aille.

L'unanimité au sein de l'équipe de Yamamoto avait quelque chose de spirituel — tout le monde avançait vers le même objectif. Cela m'a inspirée, car il y a tellement d'émotion derrière ce genre de travail, et pourtant, ils s'assuraient que le travail soit fait.

Vous travaillez actuellement sur Wild Side Volume 5. Comment se déroule le processus créatif ?

Avec ce projet, Yamamoto souhaite réunir des marques et des artistes émergents et établis. Nous nous rencontrons à Paris, au Japon. Le processus est long. J'envoie des patrons, des tissus et des prototypes en allers-retours. Nous communiquons principalement par e-mail.

Le travail est devenu plus exigeant au fil des ans — l'industrie évolue plus rapidement. Je n'ai pas de vacances. Je ne me souviens plus de la dernière fois où je me suis vraiment détendue. Mais je suis heureuse.

En 2022, vous avez décroché un master en arts plastiques à l'Académie royale des beaux-arts, ce qui est relativement tard dans un parcours.

Je me suis tournée vers l'art parce que j'étais dans une impasse créative. La photographie est une autre de mes passions. Mon mentor m'a conseillé un Nikon ZF-C. Depuis, je réalise un autoportrait presque chaque semaine. Ensuite, j'ai commencé à les imprimer sur des vêtements. C'est un métier à part entière. L'année dernière, j'ai dû aller au Japon pour comprendre comment cela fonctionne — la sensibilité du matériau à la chaleur, la façon de le laver. Grâce aux arts visuels, j'ai pu continuer à évoluer.

Que présenterez-vous au festival de la mode d'Anvers ?

Au festival, vous [pouvez voir] mes sérigraphies originales et des vêtements reprenant les mêmes photographies dans la galerie d'art contemporain de Tommy Simoens. Il vient aussi de New York, alors quand nous nous sommes rencontrés l'année dernière, le courant est tout de suite passé.

Ma première série d'impressions date de 2023. J'ai développé cette technique pendant deux ans. J'ai collaboré avec un artiste japonais de 63 ans, extraordinairement compétent. Je lui ai donné ma série d'autoportraits, il les a retouchés, puis je les ai sérigraphiés. J'ai également teint le papier pour lui donner l'apparence d'un artefact de la période Showa, des années 20 aux années 40 — ma grande obsession.

Vous avez la trentaine. Qu'avez-vous appris sur votre art et votre métier ?

J'ai appris à quel point il est important d'être entourée de personnes qui vous mettent au défi, qu'elles vous mettent en colère, vous blessent, vous attristent ou vous fassent douter de vous-même. C'est la seule façon de garder l'envie de passer à l'étape suivante. Je me suis donc délibérément entourée de personnes que j'admire.

Plus tard, j'ai réalisé à quel point l'efficacité est cruciale. Tout le monde ne peut pas maintenir ce genre de vie disciplinée et créative. C'est pourquoi j'ai inventé ce que j'appelle mon système de parts de gâteau, comme un moyen de survie.

Je divise ma journée en parts : je commence par les choses les plus réalistes — les chiffres, les finances, les résultats. D'abord, affronter la réalité. Ensuite, je pratique des compétences : les langues, de nouvelles techniques, quelque chose à apprendre. Et à la fin de ce cycle, je me laisse aller à l'impossible — le brainstorming, les idées créatives qui ne sont pas réalistes.

Je planifie mon « gâteau » pendant que je fais du sport. Je me lève tous les jours à quatre ou cinq heures, je fais de l'exercice immédiatement, puis je décide de ce que je vais faire ce jour-là. Je me couche aussi tôt.

Pourquoi est-il si important pour vous d'affronter la réalité ?

La mode n'est pas de l'art — c'est de l'économie, nous devons vendre. Dans les années 80, c'était différent, je pense. Il y avait quelque chose de spirituel. Je crois que l'art et la mode peuvent aller de pair, mais nous devons accepter que le luxe et l'art sont aussi un business. Sinon, ils s'éloignent l'un de l'autre.

Compte tenu de l'énorme pression qui pèse sur le métier aujourd'hui, une formation en mode est-elle encore suffisante ?

J'ai étudié à Parsons à New York pour mon bachelor en mode. Une formation formidable — ils vous apprennent à construire un CV, à trouver un emploi. Mais j'ai vu des interviews d'étudiants en mode européens qui savaient très bien parler d'eux-mêmes. Plus réfléchis, plus argumentés — je voulais aussi faire cette expérience. C'est pourquoi je suis allée à l'académie. Pendant trois ans, j'y ai étudié le surréalisme et le dadaïsme, mes centres d'intérêt. J'ai appris à parler de moi — et c'est extrêmement important.

Comment continuez-vous à vous former ?

Je veux approfondir la recherche sur laquelle je me suis concentrée auparavant. Demain, je vais faire de la sérigraphie — pour moi, c'est comme un doctorat. J'apprends de nouvelles techniques, je crée de nouvelles choses, et je peux partager les résultats immédiatement avec mon public via Instagram. C'est ma façon d'apprendre en ce moment. Plus tard — car je suis sûre qu'à un moment donné, je serai de nouveau dans une impasse — j'envisagerai un vrai doctorat.